EL GUERNICA – PICASSO

Es un cuadro de Pablo Picasso pintado entre los meses de Mayo y Junio de 1937. El tema principal de esta obra es el bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de Abril de 1937 por la aviación alemana, durante la Guerra Civil Española.

El Director General de Bellas Artes, Josep Renau –a petición del Gobierno de la República Española-, encargó a Picasso realizar esta obra para exponerla más tarde en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con la finalidad de atraer la atención del público hacia la causa republicana durante la Guerra Civil Española.

Si se contempla la obra en su totalidad, se pueden ver diferentes personas y animales que sufren por el dolor causado en este bombardeo, gritando y retorciéndose sobre sí mismos. Por ejemplo, contemplando la escena de derecha a izquierda se puede ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo por la agonía. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y, a su lado una madre abrumada por el dolor llevando en brazos a su hijo.

Además, el hecho de estar pintado en tonos blancos y negros acentúa el dolor y acentúa la visión pesimista del cuadro. Por otro lado, técnicamente, Picasso emplea rasgos cubistas (reduciendo las formas naturales a geométricas), aunque también utiliza el expresionismo en los gestos de los personajes y animales.

El cuadro se expuso por primera vez en París. Una vez finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano, el Guernica viajó a Museo de Arte Moderno de Nueva York, ya que Picasso no lo quería de vuelta en España hasta que el país no fuese una democracia. Con la muerte de Franco en 1975 España se convierte finalmente en una democracia y la obra retorna, siendo expuesto en el Casón del Buen Retiro (Madrid).  Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

Como docentes podemos trasladar el arte a las aulas: 

Laura Navío y Rocío Rubio

LAS TRES GRACIAS – Rubens

Las tres Gracias es un cuadro de Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo y sobre la tabla, lo que remarca la relación del autor con la pintura flamenca antigua. El lienzo mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho.  

Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen desnudas, defendiendo que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza, respectivamente.

El pintor Rafael Sandio fue el que recobró este lienzo en el Renacimiento. Sin embargo, mientras que su cuadro se caracterizaba por un sentimiento de castidad, Rubens lo plantea desde el punto de vista de una belleza sensual. Además, también cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas. Además, también se pueden apreciar las flores de la guirnalda superior y del fondo del paisaje, que acentúan la belleza del conjunto. Por otro lado, el foco de luz que utiliza el pintor resalta el colorido de las tres gracias.

ANÁLISIS FORMAL:

·        Composición: Rubens pintó este tema en diversas ocasiones, pero solo una versión adoptó la forma tradicional de la antigüedad clásica: las tres figuras entrelazadas forman un pequeño círculo, de manera que una de ellas, da la espalda al espectador.

·   Color: el cromatismo del cuadro se fundamenta en el uso de tonalidades pálidas sin estridencias tanto en las figuras como en el fondo, dominado por los ocres y los verdes. Las tres gracias muestran un precioso color de piel humana fruto de la mezcla de rojo, amarillo y azul, los tres colores primarios.

·     Cuerpos: se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Las mujeres, en primer plano, están o bien desnudas o se cubren pequeñas partes de sus cuerpos con gasas.

A las figuras femeninas predominan los trazos sinuosos, con la clara intención de acentuar la sensualidad de sus cuerpos rotundos.

·         Movimiento: se aprecia una gran delicadeza en el movimiento de las figuras femeninas, que parecen estar a punto de empezar a danzar, como indica el hecho de que todas ellas retrasen el pie izquierdo.

·     Disposición: la relación entre las tres figuras es mediante la conexión de sus brazos, el velo y sus miradas, es decir psicológicamente. Esto da una nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio de espaldas con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras.

·         Identificación: se dice que la Gracia de la derecha se identifica con la primera mujer del artista, Isabella Brandt; mientras que la de la izquierda se cree que era Helen Fourment, su segunda mujer que ya se retrató anteriormente. De todas maneras, otros expertos creen que los rostros de las mujeres son simples variaciones de su primera mujer.

·   Paisaje: en el fondo se observa un paisaje idílico, con animales pastando. La escena queda enmarcada por una guirnalda de flores, el tronco y alguna rama de un árbol y un Cupido con el corno de la abundancia bebiendo agua.

·  Significado de la obra: en la mitología grecoromana las Tres Gracias eran la personificación de la belleza, según Hesiode, Las Tres Gracias, Hágale, Eufrosine y Talia, eran hijas de Zeus y de la nimfa Eurinome, y presidian fiestas y banquetes en los cuales danzaban al servicio de los dioses, todos acompañados.

·        Función: este cuadro, al ser adquirido por el rey Felipe IV de España,fue subastado tras su fallecimiento, por ello tiene una función decorativa.

·    Influencia anterior y repercusión: Rubens creó un estilo propio, en el que recogió algunas de las propuestas más importantes de la pintura del siglo XVI e inicio del siglo XVII europeo. La fuerza cromática de la pintura veneciana de Ticiano de Veronés y de Tintorero; la lección anatómica i la fuerza compositiva de los trabajos romanos de Miguel Ángel y de  Annibale Carracci, y la luz de Caravaggio. Rubens tampoco olvidó la enseñanza clásica de la escultura grecoromana, de la que fue un admirador y coleccionista. 


Laura Navío y Rocío Rubio 

La Catedral de León

LA CATEDRAL DE LEÓN

La catedral de león es un templo de culto católico dedicado a Santa María de Regla. Su construcción se inició en el s. XIII y es, cronológicamente, la tercera gran construcción de estilo gótico en la Corona de Castilla. De influencia francesa y llamada también Pulcra leonina, es conocida, sobretodo, por llevar hasta el extremo la desmaterialización del arte gótico. Esto quiere decir que reduce sus muros lo máximo posible para así sustituirlos por vitrales coloreados.

La catedral de León ha pasado por numerosas fases de construcción. El edificio que podemos ver en la actualidad, reemplazó a otro templo románico que se edificó en el s. XII. Este, a su vez, se construyó sobre unas termas románicas del s. II. Así, en el año 1301 se termina la estructura principal del tempo y a finales del s. XIII y principios del s. XIV se construye el claustro. Sin embargo, en el s. XVII algunas bóvedas del edificio se desploman y se construye una cúpula barroca. En el s. XIX, Juan Madrazo (arquitecto medievalista y conocedor del estilo gótico) reconstruye esta cúpula basándose en un estilo gótico.

En cuanto a su arquitectura, la Catedral de León muestra claras influencias francesas, debido a su relación con la catedral de Reims en cuanto a la planta y Amiens y Beauvais en el alzado.

- Arte gótico:

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en la Europa Occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del s. XII hasta el comienzo del Renacimiento. Surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente.

Gracias al gótico, surgen catedrales de gran tamaño llenas de luz, con un predominio de la inspiración religiosa en el arte. En cuanto a su arquitectura, el primer monumento de este movimiento es la basílica de la abadía real de Saint-Denis. Del “arco apuntado”, uno de los elementos fundamentales de este estilo, se deriva la bóveda de crucería. Este elemento permite la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, predominando los vitrales sobre los muros. De esta forma, los edificios son también mucho más estilizados.  

El color y la luz son elementos fundamentales en este nuevo estilo. Gracias a las vidrieras y a los rosetones y a la luz que los atraviesa, los edificios se llenan de sombras y de figuras que proyectan el color hasta llenar todo el espacio. 








VÍDEOS RELACIONADOS

 La Catedral de León

La Catedral de León iluminada

Vídeo curioso: podemos trabajar con los alumnos la Catedral de León mediante el juego. 

Laura Navío y Rocío Rubio

Discóbolo de Miron. Laura y Rocio.

                                      


                                                              Discóbolo de Mirón

El Discóbolo representa el ideal de belleza griego de entonces. La tensión de los músculos del Discóbolo nos quiere demostrar la fuerza y la seguridad que debía tener el hombre ideal de la época. Ese hombre dedicaba gran parte de su tiempo al ocio, pero también debía saber defender su familia, saber la religión que debían seguir, etc.

EL ESCULTOR

Miron (nacido en Eleuteras, ciudad situada entre Beocia y Ática) fue un gran escultor  y broncista griego de mediados del s.V a.C que tuvo una gran repercusión sobre el arte de la época clásica. Fue el principal escultor griego de su tiempo, utilizando un “estilo severo”, y se le puede considerar como el precursor de los grandes maestros del Clasicismo pleno.

Miron fue un pionero en el arte del bronce. Trabajó fundamentalmente con este material, ya que es un material superior al mármol que permite a los escultores crear esculturas más dinámicas con detalles más limpios y definidos. Así, partiendo del bronce, el artista creó las esculturas de atletas que, más tarde, le proporcionarían su fama actual. Su principal innovación sobre este campo residió en su forma de plasmar el movimiento, introduciendo una mayor perfección en la pose de los cuerpos.

De esta forma, sus obras más famosas se caracterizan por las representaciones, muy esmeradas, de la tensión de los músculos del cuerpo humano en movimiento al realizar un ejercicio físico. Asimismo, también se podría destacar el realismo en sus esculturas de humanos y animales.

A lo largo de los años, se le han atribuido numerosas obras. Sin embargo, solo se le han podido asignar tres con seguridad: el Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos. Gracias a su obra, Miron es considerado un artista innovador que intenta superar la inmovilidad característica del estilo arcaico en la que vivió.

EL DISCÓBOLO

El discóbolo es una escultura griega realizada por Miron en el año 455 a.C. que representa a un atleta en el momento anterior de lanzar el disco. Esta escultura, perteneciente a la Época Clásica, se realizó en bronce; actualmente no se conserva la original, pero se han conservado  copias romanas plasmadas en mármol.

El término “Discóbolo” significa lanzador de disco, uno de los deportes más tradicionales de la antigua Grecia. Cabe decir que el deporte, en esta época, tenía una gran importancia en la sociedad como símbolo de independencia, libertad y democracia, por lo que esta obra no es sólo lo que muestra exteriormente, sino que comprende un alto contenido político y filosófico. Ésta, es la escultura que representa las Olimpiadas de Grecia; uno de los acontecimientos principales en la cultura griega.

Como hemos dicho antes, Miron es conocido por la perfección con la que representa el cuerpo humano y el movimiento. De esta forma, el Discóbolo representa el cuerpo en su momento de máxima tensión y esplendor. Como vemos, todo el cuerpo está echado hacia delante para proporcionar el impulso necesario para el lanzamiento del disco y el brazo que mantiene el disco hace contrapeso con la pierna en la cual se apoya su otro brazo.

Sin embargo, en contraposición a la tensión y al movimiento del cuerpo, cabe destacar la expresión tranquila e impasible del rostro que únicamente muestra una leve concentración; el contraste entre las partes es de una magnitud considerable. Podemos explicar este hecho en la forma en que, para los escultores griegos, era mucho más importante la representación del cuerpo como arquetipo del ideal atlético que las expresiones faciales.

Un hecho curioso y fascinante sobre la construcción de esta escultura es que fue realizada sin partir de ningún modelo. Miron rememoró las imágenes de las olimpiadas para esculpir el Discóbolo en su perfección. 

"La belleza del cuerpo". Exposición en el museo del Marc, Alicante.

Rocío Rubio y Laura Navío.