EL GUERNICA – PICASSO

Es un cuadro de Pablo Picasso pintado entre los meses de Mayo y Junio de 1937. El tema principal de esta obra es el bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de Abril de 1937 por la aviación alemana, durante la Guerra Civil Española.

El Director General de Bellas Artes, Josep Renau –a petición del Gobierno de la República Española-, encargó a Picasso realizar esta obra para exponerla más tarde en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con la finalidad de atraer la atención del público hacia la causa republicana durante la Guerra Civil Española.

Si se contempla la obra en su totalidad, se pueden ver diferentes personas y animales que sufren por el dolor causado en este bombardeo, gritando y retorciéndose sobre sí mismos. Por ejemplo, contemplando la escena de derecha a izquierda se puede ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo por la agonía. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y, a su lado una madre abrumada por el dolor llevando en brazos a su hijo.

Además, el hecho de estar pintado en tonos blancos y negros acentúa el dolor y acentúa la visión pesimista del cuadro. Por otro lado, técnicamente, Picasso emplea rasgos cubistas (reduciendo las formas naturales a geométricas), aunque también utiliza el expresionismo en los gestos de los personajes y animales.

El cuadro se expuso por primera vez en París. Una vez finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano, el Guernica viajó a Museo de Arte Moderno de Nueva York, ya que Picasso no lo quería de vuelta en España hasta que el país no fuese una democracia. Con la muerte de Franco en 1975 España se convierte finalmente en una democracia y la obra retorna, siendo expuesto en el Casón del Buen Retiro (Madrid).  Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

Como docentes podemos trasladar el arte a las aulas: 

Laura Navío y Rocío Rubio

LAS TRES GRACIAS – Rubens

Las tres Gracias es un cuadro de Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo y sobre la tabla, lo que remarca la relación del autor con la pintura flamenca antigua. El lienzo mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho.  

Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen desnudas, defendiendo que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza, respectivamente.

El pintor Rafael Sandio fue el que recobró este lienzo en el Renacimiento. Sin embargo, mientras que su cuadro se caracterizaba por un sentimiento de castidad, Rubens lo plantea desde el punto de vista de una belleza sensual. Además, también cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas. Además, también se pueden apreciar las flores de la guirnalda superior y del fondo del paisaje, que acentúan la belleza del conjunto. Por otro lado, el foco de luz que utiliza el pintor resalta el colorido de las tres gracias.

ANÁLISIS FORMAL:

·        Composición: Rubens pintó este tema en diversas ocasiones, pero solo una versión adoptó la forma tradicional de la antigüedad clásica: las tres figuras entrelazadas forman un pequeño círculo, de manera que una de ellas, da la espalda al espectador.

·   Color: el cromatismo del cuadro se fundamenta en el uso de tonalidades pálidas sin estridencias tanto en las figuras como en el fondo, dominado por los ocres y los verdes. Las tres gracias muestran un precioso color de piel humana fruto de la mezcla de rojo, amarillo y azul, los tres colores primarios.

·     Cuerpos: se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Las mujeres, en primer plano, están o bien desnudas o se cubren pequeñas partes de sus cuerpos con gasas.

A las figuras femeninas predominan los trazos sinuosos, con la clara intención de acentuar la sensualidad de sus cuerpos rotundos.

·         Movimiento: se aprecia una gran delicadeza en el movimiento de las figuras femeninas, que parecen estar a punto de empezar a danzar, como indica el hecho de que todas ellas retrasen el pie izquierdo.

·     Disposición: la relación entre las tres figuras es mediante la conexión de sus brazos, el velo y sus miradas, es decir psicológicamente. Esto da una nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio de espaldas con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras.

·         Identificación: se dice que la Gracia de la derecha se identifica con la primera mujer del artista, Isabella Brandt; mientras que la de la izquierda se cree que era Helen Fourment, su segunda mujer que ya se retrató anteriormente. De todas maneras, otros expertos creen que los rostros de las mujeres son simples variaciones de su primera mujer.

·   Paisaje: en el fondo se observa un paisaje idílico, con animales pastando. La escena queda enmarcada por una guirnalda de flores, el tronco y alguna rama de un árbol y un Cupido con el corno de la abundancia bebiendo agua.

·  Significado de la obra: en la mitología grecoromana las Tres Gracias eran la personificación de la belleza, según Hesiode, Las Tres Gracias, Hágale, Eufrosine y Talia, eran hijas de Zeus y de la nimfa Eurinome, y presidian fiestas y banquetes en los cuales danzaban al servicio de los dioses, todos acompañados.

·        Función: este cuadro, al ser adquirido por el rey Felipe IV de España,fue subastado tras su fallecimiento, por ello tiene una función decorativa.

·    Influencia anterior y repercusión: Rubens creó un estilo propio, en el que recogió algunas de las propuestas más importantes de la pintura del siglo XVI e inicio del siglo XVII europeo. La fuerza cromática de la pintura veneciana de Ticiano de Veronés y de Tintorero; la lección anatómica i la fuerza compositiva de los trabajos romanos de Miguel Ángel y de  Annibale Carracci, y la luz de Caravaggio. Rubens tampoco olvidó la enseñanza clásica de la escultura grecoromana, de la que fue un admirador y coleccionista. 


Laura Navío y Rocío Rubio